理查德·赖特(Richard Wright)

2011-06-11 15:36:47 作者:lyadmin 来源:artspy艺术眼 浏览次数:0 网友评论 0

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理查德·赖特(Richard Wright),1960年出生于伦敦的赖特,年幼时期搬迁到苏格兰。按艺术家的说法,绘画和音乐是他自十一、二岁开始人生中最重要的东西,他与现今在Franz Ferdinand(法兰兹·费迪南是英国一支流行的独立摇滚组合)乐队当鼓手的Paul Thomson曾一起玩过乐队。

随后就读爱丁堡艺术学院,经过四年的学习,1982年获得了绘画专业的学士学位;之后在格拉斯哥艺术学院深造,取得了美术硕士。赖特一直都很优秀,获得过很多奖项,1997年获得了苏格兰艺术协会奖,现赖特在格拉斯哥工作和生活。

赖特最初在爱丁堡艺术学院念的是绘画专业,直到1988年的某一天,他在画布上创作时,突然之间,他厌恶了在画布上作画,“我觉得我把自己局限在一个小圈子里画画,而我的油画像垃圾,我在画上反复地涂,把以前在画布上的作品全部都涂掉,这不是我想要的,我所做的完全与这个世界脱节了。我想创作出属于这个世界的作品”于是他不再回工作室,“然后有两年的时间我做的与艺术毫无关联”,赖特认为放弃油画对他来说是一种“解脱”。在那段时间里,他开始画广告画,然而正是广告画的“实事求是”的本质启发了赖特1990年代早期墙上创作。

后来,赖特开始在墙上、天花板上、或是建筑物内的某个特定的空间层面上作画,他的艺术作品创作通常不是计划好的:都是赖特在察看空间然后才开始工作,而他那一丝不苟的几何绘画绝大多数也都是临时性的。他说:“位置的选择占据了作品创作的一半”。很多人称其为特定场所(site-specific)艺术家。这些作品通常有个非常鲜明的特点:作品是在特定的空间里创作而成的,作品不能被运载,不能被买卖,而且展览期一结束,作品会被涂毁掉,这是赖特一直坚持的原则,作品无法久存的本质也注定了作品是游离于市场之外的。

赖特强调:“作品不是为了未来,而是现在。重要的事是作品重新被涂抹掉,艺术都不是永存的。这样做,正是强调了作品存在的时刻,就像一场音乐演出,不能被占有、买卖,就只停留在人们的记忆中。这个世界已经有太多东西了,已不需要更多的东西了,作品重新涂掉将给你一种解脱和自由。我喜欢在我离开的时候不留下任何东西。”在赖特与阿达姆·斯马茨克(Adam Szymczyk),著名策展人,第五届柏林双年展策展人)的对话中也提到:“这(墙上作画,展后涂掉)就是我认为展示绘画的不可预知性的途径。展后,作品的归属占据了整个创作的一半。作品(草图)有可能影响或改变你通过空间作画的方式,所以说墙上作画有从一个新的角度揭示空间的潜力。”

赖特现今在格拉斯哥生活和工作,是艺术界一位相当重要和活跃的艺术家。自1994年在Transmission画廊举办的第一个个展以来,赖特相继在世界范围内举办了多个展,知名的有,2001年在瑞士伯尔尼艺术馆和泰特利物浦美术馆个展;2002年杜塞尔多夫个展(Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf),2004年苏格兰敦提当代艺术馆个展(Dundee Contemporary Arts);2007年圣地亚哥当代艺术馆个展等。赖特还参加了多个国际性的艺术展,1997年悉尼的“Pitura Brittanica”;1998年卢森堡的“Manifesta 2”;2000年爱丁堡塔尔伯特莱斯画廊(Talbot Rice Gallery)举办的“The British Art Show 5”;2008年匹兹堡举办的第55届卡耐基国际艺术展(the 55th Carnegie International)等等。

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1997,悉尼 "Pictura Britannica"

赖特与高古轩画廊有着深切的不解之缘。2002年,赖特在伦敦高古轩画廊举办个展,展出的作品包括墙上绘画,丝网印海报和纸上绘画。赖特因其对线条和色彩的视觉应用而出名。他的作品在大小和基本图案模式上变化多样,整个空间都布满了线条和色彩,就像他在2000年爱丁堡国际艺术展上展出的作品一样——原始的哥特式和巴洛克式纹身印记式的紧凑结合。

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无题 Untitled 2002
墙上水粉画Gouache on wall

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细节

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无题Untitled 2002
墙上水粉Gouache on wall

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无题 Untitled 2002
墙上水粉Gouache on wall

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细节

2005年赖特个展在纽约高古轩画廊开幕,也是赖特在美国的第一个个展。展览的焦点是赖特直接在画廊墙壁上创作的一幅细致详尽的壁画。赖特通过用大量的图案模式和作品形状创造节奏韵律形成了自己独特的艺术语言。他的墙上作画用平行线或格子覆盖了大片的墙壁,然后用完美的圆圈或与之格格不入的符号截断那些原本规规矩矩的几何图形,且每一寸都是用手亲自绘上去的,赖特用空间里的某个特定的区域来创作,以加深影响,让详尽的重复和弯曲的线条形成一种标记象征。在创作中,赖特应用一系列的图案版式和跟绘画和墙壁装饰相关的记号图形。

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无题Untitled, 2004
纸上水粉陶彩Gouache, tempera and enamel on printed page on paper
尺寸:18 x 19-5/8 inches (45.7 x 49.8 cm)

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无题 Untitled, 2004
纸上水粉Gouache on paper 尺寸:23-1/2 x 30 inches (60 x 76 cm)

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无题Untitled 2005
墙上黑色水粉画Black gouache on wall

 

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Untitled 2005
红色墙上水粉画Red gouache on wall

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细节

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无题,空间 Untitled (Space), 2001
丝网印画 Silkscreen 尺寸:20-1/2 x 28-3/8 inches (52 x 72 cm)

随着创作时间的推移,赖特逐渐扩大作品的篇幅,增加了作品的复杂度,站近了,展厅的光线与作品的色彩相映生辉,观者由于作品太大了而看不清作品整体的轮廓;站远了,又因作品太细致了而破译不了细节,例如在“Life on Mars: the 55th Carnegie International” 数千只红色针状的图形从天花板、墙上伸展开来,一直伸出了窗框;在爱丁堡国际艺术节“Jardins Publics”展出的作品,一组黑色的像刺一样的图形围成扇形,穿过市政厅一间屋子的天花板一直到延伸到另一间。

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第55届卡耐基国际艺术展"Life on Mars: the 55th Carnegie International"作品:数千只红色针状的图形从天花板、墙上伸展开来,一直伸出了窗框。

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参加爱丁堡国际艺术节作品:一组黑色的像刺一样的图形围成扇形,穿过市政厅一间屋子的天花板一直到延伸到另一间

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无题 no title
蚀刻手绘玻璃画etched, hand-made fused glass

2009年,就在赖特参加特纳奖创作的期间,他同时也在伦敦的高古轩画廊举办个展。继续发展他独有的视觉和空间语言,直接在墙上作画。再次断言那些装饰我们设计的世界边角的细节的力量,也是他对所选择的空间的个性的所做出的反应。摒除了概念主义带有的固定思维,赖特用几乎中世纪的精确度亲自作画。

此次赖特称:“我的作品像破旧的楼梯,像烟雾探测器,像一幅图画,更像信中字里行间的空白处。”画廊内,从窗户照入的光线让画作产生令人惊叹但又难以捉摸的效果,让人不禁联想起伊斯兰的装饰艺术,亦或是达·芬奇的精确的设计图稿。

2009年赖特在伦敦高古轩展出的纸上绘画作品:

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无题Untitled (6.1.08), 2008
纸上金叶子 Gold leaf on paper 尺寸:32 3/16 x 42 7/8 inches (81.8 x 109 cm)

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无题(3.3.08), Untitled(3.3.08), 2008年
纸上水粉和水彩画 Gouache and watercolor on paper
尺寸:24 1/8 x 33 inches (61.2 x 83.7 cm)

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无题(8.6.2009),Untitled (8.6.2009), 2009年
纸上水粉和水彩画 Watercolor and gouache on paper
Paper size: 25 5/8 x 29 5//16 寸 (65 x 74.5 cm)

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无题(4.2.08),Untitled (4.2.08), 2008年
纸上的白金叶 White gold leaf on paper
26 1/2 x 40 寸 (67.4 x 101.7 cm)

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无题(3.3.2009),Untitled (3.3.2009), 2009年
纸上的金叶 Gold leaf on paper
32 11/16 x 45 7/8 寸 (83 x 116.5 cm)

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无题(2.3.2009),Untitled (2.3.2009), 2009年
纸上的金叶 Gold leaf on paper
27 5/8 x 37 3/16 寸 (70 x 94.5 cm)

赖特的相关的纸上绘画在执行实施和对观者产生的印象方面都是错综复杂的,萦绕于人心。在一些作品里,数千笔金叶覆盖了整幅画卷,呈现其细微美好的几何线条从一个笔触浓重的中心由里往外笔触逐渐转淡,唤醒了人们对中世纪手绘本上镶着的金边的记忆,但他的作品比金边上闪烁的光芒更流畅。在其他色彩浓重的作品里,万花筒般的色彩图样可以在古瓷器上找到,亦是印刷字体与精确的手绘在对称上的相互碰撞的结果。最后,画中如云缭绕的场景是在拟人化的轮廓中形成的,使生动的颜色鲜艳的描影和栩栩如生的交叉排线更生动,让人不禁想起古斯塔夫·多雷(Gustave Dore)和威廉姆·布莱克(William Blake)那些对创造世界与毁灭世界的思考上所创作的关于神秘宇宙的作品。

赖特2009年高古轩展出的墙上创作作品:

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无题,Untitled, 2009年
天花板上的银叶 Silver leaf on ceiling
高古轩画廊现场
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无题,Untitled, 2009年
天花板上的银叶 Silver leaf on ceiling
高古轩画廊现场

2009年,赖特以他那独特、炫目又难以捉摸的壁画作品《金叶》抱得了2.5万英镑的特纳奖,这位据说是“一直很安静”的艺术家用他独特的艺术语言与娴熟的空间作画技法赢得了评委们的赞赏。

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英国卫报的视频链接:
http://www.guardian.co.uk/artanddesign/video/2009/dec/08/turner-prize-2009-richard-wright

在泰特英国美术馆的展览的《金叶》是赖特采用自己称之为“难以想象的中世纪的方式”的文艺复兴时期壁画创作的技术,雇佣了4位拥有此种技术的助手来一起创作的,将图案先画在纸上,然后用小孔戳穿图案、并用粉笔扫过图案,再将其移至墙上,一点一滴地绘出作品,在图案上涂好黏合剂,再覆盖上一层金叶进行修饰,靠近了你能发现那些像从云隙中投下的阳光或者是云朵的图案,让人联想起在泰特美术馆中能看见的特纳的风景画亦或是布莱克的水彩画。当你观察到展厅地面上细小的金色斑点时,你就会不免想到赖特是花费了多少时间和精力来创作这件作品的。在作品前,所有的语言都显得苍白无力了。可以说,赖特的这件作品从不曾安静下来,一直放射出光芒,给人强大的存在感——错综复杂的金叶壁画盘踞着,直接地回应着它所在的空间——无无论它是占据整个房间还是谨慎地摆放在某个小角落,当人们走过的时候,都能感觉到它的存在。

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赖特称此次获得特纳奖的作品《金叶》的灵感来源于他从苏格兰乘坐过夜巴士到伦敦观看泰特美术馆的记忆——花一晚的时间坐车到伦敦,花一整天的时间观看美术馆里的某一件作品,然后再花一晚的时间返回苏格兰。

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卫报艺评艾德里安·西勒(Adrian Searle)这样评述赖特此次的作品:无法平静的画面,那里充满着阳光,丝丝的光线让人想起古老的雕版画,疲惫的光置身于沸腾的云朵和特异的景象中。整个画面就像个巨大可爱的末日启示,从中间往外笔锋由浓转淡。金色的叶子在展厅中捕捉光线,在你移动的同时,部分叶子闪烁着,在其它画面投下灰绿色的阴影。赖特让这个持续的状态超出了装饰的效果。

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赖特说他从桂冠诗人Carol Ann Duffy的手中接到奖项时的感觉不像其他得奖者一样兴奋、高兴,而是“非常震惊和意外”,他说没想到会获奖,赖特说:“我想要的,不是获奖。”

在接受卫报提问问到对作品的涂毁有何感想时,赖特说“我有时觉得是一种损失;有时又觉得是一种解脱。其他人也在做着不能留存的东西。你创作了一件作品,不久之后消失,这像是让你获得了某种自由与解脱”,赖特的每件非纸上作品都没逃脱了作品的短暂性,在展览过后,都会被涂抹掉,这亦是赖特自己坚持的原则,作品的特色之一。

评委称他们被赖特作品中深度的原创性和美丽深深地感动了:“他是我们这个时代的画家——而且是仅属于这个时代,因为他不想保留画作。他对自己艺术的见解,他对作品死亡的认识,是令人深切感动的。他在英国泰特展出的作品首先因它的丰富和大方一开始让你欣喜,逐渐地让人印象深刻,并与之共鸣”。以往,观者在墙上的留言多少都持有怀疑,但今年,观者史无前例的一边倒:理查德·赖特=深刻的哲学思想;一位画家!很好!他一定很刻苦地工作吧;理查德·赖特——天才等等。

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美好的作品应该停留在人们的记忆中,请在它消失前抓住它,把它变成一个深刻的记忆。


 

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